Photographier en noir et blanc : apprendre à voir autrement

Lors de notre séance du jeudi 10 septembre, le Photoclub de Vouvry s’est retrouvé autour d’un thème aussi classique qu’exigeant : la photographie en noir et blanc.

L’objectif n’était pas simplement de produire quelques images sans couleur, mais surtout de réfléchir à notre manière de photographier. Observer la lumière, comprendre ce que fait l’appareil, imaginer le résultat avant de déclencher : autant de réflexes que l’on oublie facilement lorsque la technique moderne fait une grande partie du travail à notre place.

Au-delà des photos réalisées, quatre idées essentielles méritent d’être retenues.

Une photo en noir et blanc n’est pas simplement une photo couleur sans couleurs

C’est probablement le point de départ le plus important.

Convertir une photographie couleur en noir et blanc est aujourd’hui extrêmement simple. Un clic dans Lightroom, Photoshop ou directement dans l’appareil suffit. Mais supprimer les couleurs ne transforme pas automatiquement une image en bonne photographie noir et blanc.

Lorsque la couleur disparaît, d’autres éléments prennent beaucoup plus d’importance : la lumière, les contrastes, les formes, les lignes, les textures et les différences de luminosité.

Deux couleurs très différentes peuvent par exemple devenir presque le même gris une fois converties. À l’inverse, une scène assez banale en couleur peut révéler une structure, une lumière ou une atmosphère complètement différente lorsqu’on commence à la regarder en termes de valeurs claires et sombres.

Photographier en noir et blanc demande donc progressivement d’apprendre à voir autrement.

La question n’est plus seulement : « Est-ce que cette scène est jolie ? », mais aussi : « Qu’est-ce qui restera lorsque la couleur aura disparu ? »

Savoir mesurer la lumière reste un véritable atout

Les appareils modernes mesurent remarquablement bien la lumière. Dans la majorité des situations, leur mesure automatique permet généralement d’obtenir une exposition très fiable.

Alors, pourquoi encore apprendre à mesurer la lumière ?

On pourrait faire le parallèle avec la navigation : aujourd’hui, un GPS nous conduit presque partout sans difficulté. Pourtant, savoir lire une carte reste utile lorsque la situation devient inhabituelle ou lorsque l’on veut vraiment comprendre où l’on se trouve.

Pour la mesure de lumière, c’est un peu la même chose.

Comprendre comment l’appareil évalue la luminosité permet surtout de comprendre pourquoi son choix ne correspond pas toujours à l’image que le photographe souhaite réaliser.

Une scène très sombre, un sujet fortement éclairé, un contre-jour ou une grande surface très claire peuvent donner lieu à plusieurs interprétations.

Savoir ce que mesure l’appareil permet alors de reprendre la main.

Ce n’est pas une obligation pour faire de bonnes photos. C’est simplement un outil supplémentaire dans la boîte à outils du photographe — et parfois un outil extrêmement précieux.

Comprendre les différents modes de mesure

La séance a également permis de revenir sur les différents modes de mesure de lumière, notamment la mesure matricielle et la mesure spot.

La mesure matricielle analyse l'ensemble de l’image en tenant compte de différentes zones et cherche à proposer une exposition équilibrée pour la scène dans sa globalité. Elle fonctionne remarquablement bien dans énormément de situations.

Mais elle ne peut pas deviner avec certitude quelle partie de l’image est importante pour le photographe.

Imaginons un visage fortement éclairé dans une pièce presque noire. La mesure matricielle voit beaucoup de zones sombres et peut chercher à éclaircir l’ensemble. Le visage, pourtant sujet principal, risque alors de devenir beaucoup trop clair.

Avec une mesure spot, le photographe choisit précisément la zone qui servira de référence. Il lui reste ensuite à interpréter cette mesure selon la luminosité qu'il souhaite donner à cette zone. Le reste de la pièce peut rester très sombre — et c’est peut-être précisément ce que nous voulions.

L’idée n’est donc pas de dire qu’un mode est meilleur qu’un autre, mais de comprendre leur fonctionnement afin de choisir celui qui correspond le mieux à la situation et à notre intention.

Imaginer la photo avant de déclencher

Enfin, cette séance nous a obligés à ralentir.

Avant de prendre une photo, nous avons essayé d’observer la scène, d’identifier la lumière, de choisir ce qui devait être clair ou sombre et d’imaginer le résultat final.

C’est une démarche différente du réflexe qui consiste à déclencher rapidement, puis à décider ensuite devant l’écran quelles images fonctionnent.

Évidemment, cela ne s’applique pas à toutes les situations. En photographie sportive, animalière, de spectacle ou de reportage, les événements ne nous laissent pas toujours le temps de longuement réfléchir avant chaque déclenchement.

Mais pratiquer volontairement cet exercice développe quelque chose d’important : la capacité à prévisualiser une photographie.

Avec l’habitude, cette réflexion devient plus rapide et intuitive. Même lorsque l’on dispose seulement de quelques secondes, on commence à anticiper plus facilement le résultat.

Reprendre le contrôle de son image

Au fond, tous les exercices de cette soirée avaient un point commun : remettre le photographe au centre de la création de l’image.

Les automatismes, les viseurs électroniques et les logiciels modernes sont des outils extraordinaires. Il ne s’agit pas de s’en priver. Mais mieux nous comprenons ce qu’ils font, plus nous pouvons choisir quand leur faire confiance et quand reprendre la main.

Photographier en noir et blanc est un excellent exercice pour cela, parce que l’absence de couleur nous oblige à regarder autrement : la lumière devient plus visible, les contrastes plus importants et chaque élément de la composition prend davantage de poids.

Et parfois, le meilleur moyen de progresser n’est pas de prendre davantage de photos.

C’est simplement de prendre un peu plus de temps avant d’appuyer sur le déclencheur.